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이미 정해져 있는 음악과 대사를 무대에 올린다는 점에서 창극은 오페라와 닮았다. 작품은 본래 틀을 크게 벗어나기 어렵다. 그러나 지난 수십 년간 세계 오페라 무대는 이 틀을 해체하며 새로운 전기를 만들어왔다. 오페라는 오랜 세월 동안 작곡가와 성악가 중심의 예술로 현대차2우b 여겨져 왔지만, 시각적 연출과 스토리텔링의 힘이 전면으로 부각되면서 이른바 ‘연출가의 시대’가 시작된 것이다. 이처럼 고전 오페라를 단순히 재현하는 대신 연출가의 해석과 시각을 덧입혀 동시대적 의미를 부여하는 흐름에 대해 유럽 무대에서는 ‘레지오퍼(Regieoper)’라 지칭하였다. 레지오퍼는 무대 이미지나 영상 장치 등을 활용한 파격적 연출을 통해 동일 롯데캐피탈 아파트론 한 서사에 전혀 다른 의미를 부여함으로써 꾸준히 화제와 논쟁을 불러일으켜 왔다. 



국립창극단 '심청' 공연 장면. / 사진. © 국립극장


이러한 변화에는 두 가지 배경이 있다. 하나는 20세기 중반 이후 연극·영상· 르노삼성자동차 할부 미술의 언어가 다양한 형태로 무대에 도입되면서 오페라가 새로운 실험의 장으로 변해온 점이다. 다른 하나는 2000년대 들어 DVD 시장이 열리면서 관객들이 오페라의 시각적 측면에 주목하게 된 점이다. 특히 메트로폴리탄 오페라(이하 메트)의 ‘라이브 인 HD’를 비롯하여 디지털 플랫폼을 통해 이루어진 글로벌 영상 중계는 공연장을 직접 찾지 못한 관객들이 음악 한국자산관리공사 과 함께 디테일한 무대 연출을 영상으로 경험하게 해주었다. 그리하여 이제는 음악과 더불어 독특한 발상의 무대를 만들어내는 연출가의 이름이 지휘자와 성악가 못지않게 공연의 성패를 좌우하는 요인으로 부상하였다.
이러한 맥락에서 영화 <라이온킹>의 감독이었던 줄리 테이머는 2004년 메트의 신작 <마술피리>에서 가면이나 퍼펫 같은 동화적 도구를 덧글삭제 오페라 언어로 형상화하면서 시각 연출의 존재감을 관객들에게 새롭게 각인시켰다. 또한 연극 연출가 로베르 르빠주는 <니벨룽의 반지>에 24개 패널로 구성된 거대한 모듈러 세트를 도입하여 무대 기계 자체를 드라마의 축으로 삼으면서 오페라의 표현 지평을 넓혔다. 이들의 작업은 익숙한 결말의 오페라 작품으로 관객에게 ‘무엇을 보여줄 것인가’를 고민한 결과였다. 그 결과 연출이 주도하여 구성하는 무대는 더 이상 음악의 배경에 머물지 않고 작품 해석의 전면으로 이동했다. 연출가의 상상력이 음악과 대등하게 무대를 지배하며 작품을 새롭게 규정하는 시대가 열린 것이다. 



국립창극단 '심청' 공연 장면. / 사진. © 국립극장


창극도 예외가 아니었다. 2010년대 들어 독일의 오페라 무대연출가 아힘 프라이어를 비롯하여 한태숙 등 연극 연출가들이 국립창극단 무대에 합류하면서, 창극은 전통 판소리의 단순한 극화에서 벗어나 현대 무대예술의 언어를 적극적으로 흡수하기 시작했다. 그 과정에서 다양한 시도들이 이루어져 왔고, 이번 심청 역시 그 연장선상에서 영상, 설치미술, 라이브 카메라 등 새로운 표현 기법을 적극 활용하였다. 유럽의 오페라 무대에서 활동하며 역량을 축적해온 요나 킴의 신선한 연출 덕분에 관객들은 익숙한 <심청>의 서사를 익숙하지 않은 방향으로 새롭게 경험할 수 있었다. 



국립창극단 '심청' 공연 장면. / 사진. © 국립극장


관객들은 무대의 시작부터 강렬한 이미지와 마주했다. 객석에서 몰려나와 무대로 달려가는 수십 명의 어린 심청들은 눈두덩이가 모두 검게 칠해져 있었다. 앞을 보지 못하는 수많은 심청들의 얼굴은 기존 서사에서 내세웠던 효녀상을 집단적 형상으로 확장하였다. 심청은 더 이상 수난을 겪다가 기연으로 환생하는 설화적 인물이 아니며, 오히려 보지 못하도록 강요당한 수많은 여성을 상징하는 집단적 존재로 재현되었다. 이 은유는 이후의 극의 전개를 관통하는 중요한 축이 되었다. 심청의 이야기가 단순히 개인의 효심이 아니라 억눌린 약자들의 경험과 목소리를 대변하는 이야기로 확장된 것이다.
<심청>의 하이라이트 중 하나인 인당수 장면에서 요나 킴은 대규모 영상과 파도 소리에 더하여 군무와 합창이 어우러지는 스펙터클한 무대 연출을 통해 압도적 몰입감을 선사해주었다. 그러나 이러한 장면 미학은 심청이 ‘죽음으로 효를 완성’하는 결말로 이어지지 않는다. 오히려 심봉사를 비롯하여 심청을 둘러싼 온갖 군상들의 이기적이고 폭력적인 모습을 통해 그 희생이 과연 누구를 위한 것이었는가라는 근본적 질문을 끊임없이 던진다.
가장 인상 깊은 장면은 마지막에 등장한다. 무대 위의 극은 끝나지만 심청은 무대 뒤로 퇴장하지 않는다. 무대를 넘고 객석을 지나 극장 밖의 세상을 향해 걸어 나가는 심청의 모습을 보여주는 마지막 영상은 심청이 더 이상 희생의 굴레에 머무르지 않고 스스로 눈을 뜨며 새로운 삶을 향해 가는 주체적 결단을 상징한다. 이 장면은 자연스럽게 입센의 <인형의 집>에서 노라의 퇴장을 연상시킨다. 19세기의 노라는 가정을 지탱하는 ‘인형’의 역할에서 벗어나 스스로의 정체성을 찾기 위해 집을 떠났지만, 21세기의 심청은 ‘효녀’의 틀을 넘어 주체적 존재로서 세상 속으로 걸어 나간다. 



국립창극단 '심청' 연습실 스케치. / 사진. © Benjamin Luedtke/국립극장


이번 작품에서 특히 주목할 것은 판소리에 바탕을 둔 원형적 음악과 대사가 크게 바뀌지 않았음에도 불구하고, 이 모든 전복적 묘사가 가능해진 점이다. 바로 연출의 힘이었다. 무대 위의 상징적 소품과 파격적 이미지, 강렬한 합창과 간주, 감정선을 드러내는 실시간 영상, 예상치 못한 퇴장의 방식 등을 통해 작품의 결말은 전혀 다른 의미로 관객에게 다가온다. 이 같은 파격적 변화는 전통을 오늘의 언어로 새롭게 재현하는 의미 있는 시도였다. 전통을 살아 있게 만드는 힘은 작품을 통해 이 시대의 관객에게 무엇을 묻고 무엇을 전해야 하는가에 대한 성찰에서 비롯된다. 요나 킴의 시각과 해석을 통해 새롭게 만들어진 창극 <심청>은 그 물음에 대한 답을 무대 위에 또렷하게 새기며, 한 편의 공연을 넘어서 전통 창극이 어떤 방식으로 오늘의 관객들의 시선에 다가갈 수 있는가에 대한 좋은 사례를 보여주었다. 
이번 작품에서 눈을 뜬 건 심봉사가 아닌 심청이었다. 그리고 관객이었다. 효와 희생의 전형을 넘어 눈을 뜬 주체로서의 심청을 재발견한 연출가의 시도는 전통에 대한 관객의 눈도 새롭게 뜰 수 있게 해주었다. 이번 무대는 전통이 과거의 그림자로 머물지 않고 현재의 맥락 속에서 끊임없이 자유롭게 변주되며 그 힘을 유지해갈 수 있음을 보여주었다. 나아가 한국 전통 공연이 질적으로 변화하고 양적으로 성장하기 위해 고려할 수 있는 유력한 대안 하나를 제시해주었다. 관객의 입장에서 바라는 것은 요나 킴의 이러한 시도가 단발성으로 끝나지 않고 판소리 다섯 마당 전체를 아우르는 장기 프로젝트로 이어졌으면 하는 점이다. <흥보가>, <춘향가>, <적벽가>, <수궁가> 등 각 작품마다 덧입혀질 해석이 꽤나 흥미진진할 것 같다. 이러한 작업은 국립창극단이 전통의 재해석을 넘어서 세계무대와 함께 호흡하며 동시대를 대표하는 공연작품의 하나로 창극을 확장시켜갈 수 있는 계기로도 활용될 수 있을 것이다. 
용호성 문화예술평론가·前 문체부 차관